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Aufführungen | Oper Stadttheater Bern La forza del destino

Premiere. 3.5.2026

Aus rassistischen Gründen lehnt der Vater Leonoras ihre Beziehung zu dem Fremden Alvaro ab. Die beiden wollen dennoch nicht voneinander lassen und beschliessen zu f...
Aufführungen | Schauspiel Münchner Volkstheater Echtzeitalter

Deutsche Erstaufführung: 19.4.2026

Till ist neu auf der weiterführenden Schule, einem traditionsreichen Gymnasium. In dem elitären Umfeld versucht er, den pädagogischen Maßnahmen se...
Aufführungen | Schauspiel Deutsches SchauSpielHaus Hamburg Hundeherz

Uraufführung: 24.4.2026

Es ist kalt, sibirisch, in naher Zukunft sind Nahrung und jede Wärme rar in Gotham City. Ein geschundener Hund begegnet seinem „Retter“: Nicht uneigennützig ...
Aufführungen | Performance Mudam Luxembourg neue Veranstaltung

Aufführungen | Schauspiel Vorarlberger Landestheater Shosha - Die Geschichte eines jüdischen Hundes mit Tamara Stern

Premiere: 25.4.2026

Shosha ist eine Hündin. Und sie ist jüdisch. Zumindest sagen das die Menschen, bei denen sie lebt: ihre Familie, die sie liebt. Sie gehört zu ihr, sie gibt Shosh...
Aufführungen | Schauspiel Theater Münster Süßer Vogel Jugend

Premiere: 22.5.2026

Chance Wayne hat sein Leben lang versucht, erfolgreicher Schauspieler zu werden, um Boss Finley, den Vater seiner Jugendliebe Heavenly von sich zu überzeug...
Aufführungen | Oper Opernhaus Zürich La clemenza di Tito

Premiere: 26.4.2026

Opera seria in zwei Akten
Libretto von Caterino Mazzolà nach Pietro Metastasio

Ein Putschversuch und der beste Freund ein Verschwörer – doc...
Aufführungen | Oper Oper Leipzig Regina

Premiere: 25.4.2026

Oper in drei Akten | Libretto vom Komponisten

Hoch lebe die Freiheit! 1848, als der Freimaurer Albert Lortzing seine beeindruckende letzte Oper »...
Familie+Kinder / Konzert Philharmonie Luxembourg Luxembourg, 1, Place de l'Europe
Konzerte / Konzert Philharmonie Luxembourg Luxembourg, 1, Place de l'Europe
Ausstellungen / Museum Mudam Luxembourg Luxembourg, 3, Park Dräi Eechelen
Konzerte / Konzert Hochschule Luzern
Bereich Musik Luzern-Kriens, Arsenalstrasse 28a
Ereignisse / Festival Festival Herbstgold Eisenstadt 16. bis 26.9.2026
Ereignisse / Musical Chormusical
Judith Mitsingen beim Chormusical
Aufführungen | Performance

Sojung Jun: I Do Nine-Tailed Fox

Mudam Luxembourg

Das Mudam präsentiert die Europapremiere von „I Do Nine-Tailed Fox“, einem neuen Werk der in Seoul lebenden Künstlerin Sojung Jun (geb. 1982 in Busan). Die Performance verwebt Live-Musik mit Archivaufnahmen und neu produziertem Filmmaterial und beleuchtet die Geschichte des Koryo-Theaters in Almaty, Kasachstan. Das 1932 in Wladiwostok von der Koryo-Saram gegründete Kulturinstitut zog 1937 mit der ethnischen Gemeinschaft um, als diese aus dem Fernen Osten der Sowjetunion nach Zentralasien vertrieben wurde. Das Theater ist bis heute aktiv und dient als lebendiges Archiv des Überlebens und des Wandels. Jun verknüpft diese Geschichte mit dem Mythos des gestaltwandelnden ostasiatischen Gumiho, des neunschwänzigen Fuchses. Eine Koproduktion von Performa und der Asia Society in Zusammenarbeit mit dem Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, mit zusätzlicher Unterstützung des Arts Council Korea und der SBS Foundation.
Aufführungen | Schauspiel

Die Welt im Rücken

Theatertreffen

Schauspiel Stuttgart Die packende Chronik einer bipolaren Erkrankung übersetzen Lucia Bihler und ihr Team in Die Welt im Rücken in ein Gesamtkunstwerk, das kraftvolle, abstrakte Bilder für seelische Zustände findet und dabei den Textkörper als Körpertext begreift. Ein schreibendes Ich führt ein Leben in Extremen – mal energetisch überbordend bis zum Exzess, mal gefangen in quälender Leere. Die Ursache dafür ist eine bipolare Erkrankung, in der sich manische mit depressiven Phasen abwechseln und die das Ich aus den geregelten Abläufen der Gesellschaft hinauskatapultiert. Schreibend versucht das ruhelose Ich einzuordnen, was zwischen Sex mit Madonna und dem Wunsch nach Auslöschung mit ihm geschieht. Thomas Melle gewährt mit Die Welt im Rücken in virtuosen, sinnlichen Sprachbildern einen plastischen Einblick in eine Erkrankung, von der er selbst betroffen ist. Lucia Bihler legt ihre Romanadaption als visuell und emotional mitreißendes Gesamtkunstwerk an, in dem Musik, Licht, Bühne und Choreografie ineinandergreifen und Emotionen und Handlungen abstrahiert in expressive Körperlichkeit übersetzt werden. Mit ihrem sensationellen Spiel zwischen physischer Verausgabung und emotionaler Durchlässigkeit steht Paulina Alpen im Zentrum des Geschehens, ihr zur Seite eine Gruppe von Doppelgängern als Körperchor. Gemeinsam finden sie starke Bilder, die sich ins Gedächtnis brennen. Jurybegründung: „Die ganze Bühne mutiert hier zu einem psycho-physischen Raum: Von Paula Wellmanns mit-atmenden und zuweilen schamrosa beleuchteten Vorhängen bis zu den drängenden Sounds von Sixtus Preiss wirkt alles daran mit, Thomas Melles schmerz- und humorvollen Text über seine bipolare Störung sicht- und erfahrbar zu machen. Im Zentrum dieses Gesamtkunstwerks: die großartige Paulina Alpen. Im roten Körper-Panzer von Victoria Behr – und manchmal auch ihm entgegen – spielt sie das Schwerwerden in der Depression ebenso wie den Donnerhagel der Neuronen in der Manie. Und nichts davon zu groß. Selbst das Durchdrehen ist bei ihr eine feinstoffliche Angelegenheit. Sechs Alpen-Lookalikes sind die von Melle erwähnten ,Zwitter-Agenten‘: Ausstülpungen wie Echos des eigenen Ich, die aber auch die Reaktionen der Mehrheitsgesellschaft auf inadäquates Verhalten spiegeln. Der Abend hat die poppige Ästhetik, die man von Lucia Bihler kennt, ist aber niemals effekthascherisch, sondern tief menschlich und schickt auch das Publikum auf eine Achterbahn der Emotionen.“ (Sabine Leucht für die Theatertreffen-Jury) Lucia Bihler – Regie Paula Wellmann – Bühne Victoria Behr – Kostüme Sixtus Preiss – Musik Björn Leese – Choreografie Mats Süthoff – Outside Eye Felix Dreyer – Licht Gwendolyne Melchinger – Dramaturgie Premiere: 27.9.2025 1 h 45 min, ohne Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln Empfohlen ab 14 Jahren schauspiel-stuttgart.de Publikumsgespräch am Donnerstag, 14.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Three Times Left is Right

Theatertreffen

Eine Produktion von Studio Julian Hetzel Konzept und Regie: Julian Hetzel Radikal gegensätzliche politische Haltungen im Mikrokosmos einer Paarbeziehung nimmt Julian Hetzel in Three Times Left is Right mit einem klugen Konzept, beißendem Humor und sorgfältig ausgewählten ideologischen Reizwörtern in den Blick. Er ist ein Hochschullehrer mit linker Geschichte, sie eine Publizistin der Neuen Rechten. Auf den ersten Blick scheint sie wenig zu verbinden. Doch die beiden sind ein Liebespaar, trotz ihrer höchst unterschiedlichen Weltanschauungen. Wie sieht unter diesen Umständen ein Zusammenleben aus? Welche Gespräche und Diskussionen entstehen zwischen Tisch und Tennisplatz, wie erzieht man die gemeinsamen Kinder? Und wann wird das Private politisch? Mit schwarzem Humor und einem kalkulierten Spiel mit Triggerwarnungen bringt Julian Hetzel in seiner „Dokufiktion“ ein Familienporträt auf die Bühne, das die Zerrissenheit der Gesellschaft verdeutlicht. Josse De Pauw und Kristien De Proost verkörpern dabei ein Paar, das von realen Vorbildern inspiriert ist. Three Times Left is Right hebelt scheinbar klare Grenzen aus und zeigt, wie leicht die moralische Kompassnadel ins Trudeln geraten kann. Jurybegründung: „Inspiriert von der Beziehung eines linken Kulturwissenschaftlers und einer neurechten Autorin aus Wien entwickelt Julian Hetzel ein ungewöhnliches, verblüffendes Kammerspiel. Wie zusammenleben, wenn sich die eigenen Weltanschauungen diametral gegenüberstehen? Kristien de Proost und Josse De Pauw spielen ein Paar, bei dem sich politische Konflikte in den Küchentisch gefressen haben. Mit mikroskopischer Genauigkeit zoomt Hetzel in das Innere ihrer Beziehung, bei der Gespräche auf dem Spielplatz die Gewissheiten einer festen Institution erschüttern. In einem minimalistischen Setting liefern sich die beiden ein hitziges Battle um die bessere Ideologie – exemplarisch für die gesellschaftliche Spaltung. Wieso werden linke Denkmuster so schnell von rechts gekapert? Mit abgründigem Humor baut Hetzel eigenwillige Bilder für das aufgeheizte Diskursklima und die Radikalisierung, bis sich sogar die Untertitel verselbstständigen. Mit schwitzigen Händen schaut man der Performance zu und geht absolut durchgeschüttelt aus diesem konzeptionell-klugen und anregenden Abend. Ein Meisterwerk der Provokation.“ (Vincent Koch für die Theatertreffen-Jury) In Koproduktion mit Wiener Festwochen | Freie Republik Wien und Schauspiel Leipzig, unterstützt von De Balie (Amsterdam), SPRING Performing Arts Festival (Utrecht) und CAMPO Gent (Belgien) Josse De Pauw, Kristien De Proost – Performance Julian Hetzel – Regie Miguel Melgares – Dramaturgie Sodja Lotker, Kristien De Proost – Künstlerische Mitarbeit Bahadir Hamdemir – Video & Lichtdesign Frank Wienk – Musik & Komposition Aengus Havinga – Technische Koordination Jakob Proyer – Koordination Produktion Yola Parie – Management Produktion Tom Doeven – Sound, Programmierung Ruben Lijbers, Koen van der Heijden, Harm Bredero – Tourtechnik Timm Burkhardt – Creative Technology Esmée Begemann – Regieassistenz Django Walon – Szenografieassistenz Farah Nehme – Kostümassistenz Edd Vossen – Bühnenbau Merijn Versnel – Mechatronik Carly Heathcote – Silikonkunst Daniel Pauselius – LED-Technik Sophia op ten Berg – Praktikum Koen Van Der Heijden, Harm Bredero, Aengus Havinga, Yola Parie, Jakob Proyer – Poster Boys Uraufführung: 17.5.2025 (Wiener Festwochen | Freie Republik Wien) 1 h 35 min In englischer Sprache mit deutschen Übertiteln Empfohlen ab 16 Jahren julian-hetzel.com | festwochen.at | schauspiel-leipzig.de Publikumsgespräch am Freitag, 15.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Der Hauptmann von Köpenick

Theatertreffen

Staatstheater Cottbus Das existenzielle Spiel mit Sein und Schein steht im Zentrum dieser höchst gegenwärtigen Interpretation des Hauptmann von Köpenick, die Sebastian Hartmann und sein spielfreudiges Ensemble expressiv und selbstbewusst überzeichnet auf die Guckkastenbühne bringen. Der gerade frisch aus dem Gefängnis entlassene Wilhelm Voigt darf nicht arbeiten, weil er keine Papiere hat. Und um diese Papiere zu bekommen, braucht er eine Arbeitsstelle. Als alle Bemühungen scheitern, die Bürokratie zu überlisten, bleibt ihm nur noch der Versuch, das System mit seinen eigenen Mitteln zu schlagen. Er verkleidet sich, tritt nochmal auf – und plötzlich spielt er mit. Aber in welchem Spiel? Oder ist das das Leben? Sebastian Hartmann ist dafür bekannt, gemeinsam mit seinem Ensemble nach grundlegend neuen Zugängen zu Stoffen zu suchen und Anknüpfungspunkte im Hier und Jetzt zu ermöglichen. Sein Hauptmann von Köpenick spielt daher nicht nur mit der eigentlichen Stückvorlage, sondern auch mit den Erwartungen des Publikums. Denn dieses hochenergetische, bildstarke und ideenreiche Kasperletheater zerrt Abhängigkeitsverhältnisse und die Brutalität der menschlichen Existenz ins grelle Rampenlicht. Jurybegründung: „Was macht man mit einem 95 Jahre alten ,deutschen Märchen‘, in dem ein gewitzter Schuster mithilfe einer ertrödelten Uniform ins Köpenicker Rathaus einmarschiert? Und das spätestens seit der Verfilmung mit Heinz Rühmann 1956 an die gehobene Fernsehkomödie verloren scheint, wobei gern mal vergessen wird, dass der Gegenstand, aus dem es sich speist – nämlich das Soldatische im Menschen – gar nicht nur lustig ist? Sebastian Hartmann und sein großartiges Ensemble haben eine grandiose Idee: Sie verhehlen weder das Abgründige noch das Komödiantische des Stoffes – ohne allerdings die Komödie im engeren Sinne zu reproduzieren. Hartmann hat die Fassade des Cottbusser Theaters auf dem Szenario nachgebaut. ,Der deutschen Kunst‘ steht dort geschrieben, und was sich nun ereignet, ist ein Marionettentheater (nicht nur) deutscher Mentalitätsgeschichte, in dem ein begnadet (selbst-)ironiebegabtes Schauspielteam das Stück von Carl Zuckmayer auf seine Gegenwartstauglichkeit abklopft. An der Oberfläche sieht das aus, als hätte die Crew eine Backstage-Klamotte lässig mit Diskursstoff veredelt. Tatsächlich aber führt es tief hinein in Wesen und Gegenwart des Soldatischen – auch im Theater.“ (Christine Wahl für die Theatertreffen-Jury) Sebastian Hartmann – Regie und Bühne Adriana Braga Peretzki – Kostüme Lothar Baumgarte – Lichtdesign Leonie Hahn – Dramaturgie Premiere: 20.9.2025 1 h 50 min, ohne Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln staatstheater-cottbus.de Publikumsgespräch am Sonntag, 17.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

A Year without Summer

Theatertreffen

Eine Produktion der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz (Berlin), Florentina Holzinger/Spirit und neon lobster Mit Poesie, Humor und Exzess erzählen Florentina Holzinger und ihr Ensemble in A Year without Summer vom Streben nach Unsterblichkeit und der Utopie in der Apokalypse. Nicht weichende Dunkelheit, grundlegende Erschütterungen, eine Welt wie in Nebel gehüllt – ist das 2025 oder 1816, das „Jahr ohne Sommer“, das auf den Ausbruch des indonesischen Vulkans Tambora folgte? Damals kamen mehrere Schriftsteller*innen, darunter die junge Mary Shelley, während der kalten und stürmischen Sommermonate am Genfer See zusammen und erzählten einander Gruselgeschichten. Mary erfand den Wissenschaftler Dr. Frankenstein, der sich der Erschaffung künstlichen Lebens widmet. Hier setzen Florentina Holzinger und das Ensemble an mit ihrer Erzählung über Gesundheit, Identität und Zerfall. In überwältigenden Bildern treffen große Gegensätze aufeinander: Jung und Alt, Schmerz und Zärtlichkeit, Mensch und Maschine, das ewige Leben und der sichere Tod. Bekannt für ihre spektakulären Performances mit Elementen aus Tanz, Akrobatik, Horror und Musik, erprobt Holzinger in A Year without Summer erstmals die Form des Musicals und entfaltet Szenen voll derbem Humor, fragiler Körperlichkeit und zeitloser Schönheit. Jurybegründung: „Was tut man in einem ,Jahr ohne Sommer‘, in dem Vulkanausbrüche und Temperaturstürze die Welt verdüstern? Die damals 18-jährige Autorin Mary Shelley erdachte in einem solchen Sommer anno 1816 das Monster Frankenstein. Und Florentina Holzinger führt alle Ereignisse zusammen und unternimmt mit ihren Performer*innen, zu denen diesmal auch eine Crew von teilweise über 80-jährigen Akteur*innen gehört, einen ebenso wilden wie ungemein luziden Ritt durch die Optimierungsgeschichte des Homo sapiens. In spektakulären und höchst komplexen Bildern führt sie den Status quo des Planeten mit der Verfallsbiografie des menschlichen Körpers zusammen und fragt – während die Roboterhunde bereits zum Angriff rüsten – nach Fluch und Verheißung des ewigen Lebens. Der Düsternis zum Trotz geschieht all das in Form eines gedanklich wie visuell überbordenden Musicals, an dessen Ende die buchstäblichste Kunst-Fäkal-Orgie der Theatergeschichte steht. Wie hier in der denkbar schonungsfreiesten Wahrheit eine absolut kitschfreie Utopie aufscheint, das hat man im Theater so noch nie gesehen.“ (Christine Wahl für die Theatertreffen-Jury) Florentina Holzinger – Regie, Choreografie, Performance Born In Flamez, Gibrana Cervantes, Stefan Schneider – Musikalische Leitung Born In Flamez, Gibrana Cervantes, Josephinex Ashley Hansis, Noah Reis Ramma, Stefan Schneider – Komposition Sofia Borges, Born In Flamez, Gibrana Cervantes, Bláthin Eckhardt, Paige A. Flash, MING, otay:onii, Stefan Schneider – Live-Musik Philipp Hülsenbeck – Weitere Musikproduktion, Mixing, Arrangements Stefan Schneider, Olivia Oyama – Sounddesign Fernando Belfiore, Sara Ostertag, Felix Ritter, Michele Rizzo – Dramaturgie Leonie Hahn – Dramaturgie Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz Uraufführung: 21.5.2025 (Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz) 2 h, ohne Pause In deutscher und englischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln Empfohlen ab 18 Jahren In Koproduktion mit Tanzquartier Wien, Kampnagel Internationales Sommerfestival, Dansenhus Stockholm, DE SINGEL, Maska Ljubljana, asphalt Festival, Rising Melbourne, Factory International Manchester, Divine Comedy International Theater Festival / Łaźnia Nowa Theater (Krakau) und Marvaða Iceland Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds und der Kulturabteilung der Stadt Wien volksbuehne.berlin Diese Produktion kann aus terminlichen Gründen im Festivalzeitraum des Theatertreffens (1. – 17.5.) nicht programmiert werden. Sie wird jedoch als „TT-Nachspiel“ im Oktober 2026 in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz gezeigt werden. Ein Ticketkontingent wird zum Vorverkaufsstart des Theatertreffens am 18. April verfügbar sein. Weitere Tickets sind ab dem regulären Vorverkauf der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz für Oktober erhältlich.
Aufführungen | Schauspiel

Il Gattopardo

Theatertreffen

Schauspielhaus Zürich Aus dem Italienischen von Burkhart Kroeber Bühnenfassung von Pınar Karabulut und Hannah Schünemann In opulenten, bis ins Detail ausgestatteten Palasträumen erzählen Pınar Karabulut und ihr Team stimmungsvoll und eindrücklich die Geschichte von Il Gattopardo als Untergang einer Familie und eines Lebensstils im Zuge von politischen Umbrüchen. Der sizilianische Fürst Don Fabrizio di Salina ist ein Patriarch alter Schule – einflussreich, gebildet, standhaft. Doch die politischen Umbrüche des 19. Jahrhunderts wirbeln seine angesehene Adelsfamilie durcheinander: Sein Neffe Tancredi schließt sich dem Freiheitskämpfer Garibaldi an und in Gestalt der jungen Angelica hält das Bürgertum Einzug in seine Familie. Wie beeinflusst die neue Weltordnung individuelle Sehnsüchte? Kann sich eine Welt, deren Macht Einzelnen zuteilwird, wirklich verändern? In Giuseppe Tomasi di Lampedusas atmosphärisch dichtem Roman Il Gattopardo verschmelzen Ambiente und Erzählung, Ortsbeschreibung und Familienpsychologie. Pınar Karabulut schafft zusammen mit dem Ensemble ein groß angelegtes, stimmungsvolles Porträt einer Epoche, das durch die beeindruckenden Bühnenbilder von Michela Flück, die prächtigen Kostüme von Sara Valentina Giancare und die fein komponierten Klanglandschaften von Daniel Murena mehrdimensional plastisch hervortritt. Jurybegründung: „Theaterabende wie Pınar Karabuluts Adaption von Giuseppe Tomasi di Lampedusas Il Gattopardo sind selten geworden. Zusammen mit der Bühnenbildnerin Michela Flück und der Kostümbildnerin Sara Valentina Giancare lässt Karabulut das aristokratische Sizilien des Risorgimento auf magische Weise wieder aufleben. Die Opulenz der Räume wie der Kostüme und das meist ungebrochen psychologische Spiel des Ensembles ziehen das Publikum tief in das 19. Jahrhundert hinein. Es kann sich in der Schönheit dieser untergehenden Welt ebenso wie in der melancholischen Noblesse des von Markus Scheumann gespielten Fürsten Don Fabrizio verlieren. Zugleich kann es aber auch Symptome unserer eigenen Zeitenwende erkennen. Karabulut bleibt nah an Lampedusas Roman und nimmt so unsere krisengeschüttelte Wirklichkeit in den Blick. Scheumanns Schlussmonolog ist nicht nur die berührende Lebensbilanz eines Sterbenden. Er ist auch eine Mahnung, anders als Don Fabrizio für das Bestehende zu kämpfen.“ (Sascha Westphal für die Theatertreffen-Jury) Pınar Karabulut – Regie Michela Flück – Bühne Sara Valentina Giancane – Kostüme Daniel Murena – Musik Michel Güntert – Licht Hannah Schünemann – Dramaturgie Premiere: 29.11.2025 3 h 30 min, eine Pause In deutscher Sprache mit englischen und italienischen Übertiteln schauspielhaus.ch Publikumsgespräch am Samstag, 2.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung in voller Länge im TV sehen am Samstag, 16.5.2026 um 20:15 Uhr auf 3sat 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung ist in voller Länge online verfügbar in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek ab Freitag, 1.5.2026 für ein Jahr
Aufführungen | Schauspiel

Mephisto

Theatertreffen

Münchner Kammerspiele Mit Mephisto bringen Jette Steckel und ihr herausragendes Ensemble den Drahtseilakt eines Schauspielers zwischen persönlichem Vorteil und Kritik am System sowie die Frage nach Kunstfreiheit in einem autoritären Regime in poetischen, klaren und fein komponierten Bildern auf die Bühne. Der Schauspieler Hendrik Höfgen ist im Begriff, den Gipfel seiner Karriere zu erklimmen: Er bekommt ein Engagement am Preußischen Staatstheater Berlin, brilliert als Mephisto in Goethes Faust und wird schließlich vom Ministerpräsidenten zum Intendanten berufen. Doch der Aufstieg hat seinen Preis: Höfgen paktiert mit dem nationalsozialistischen Regime und verfängt sich in der Rolle seines Lebens. Klaus Manns Roman Mephisto gilt als ein Schlüsselwerk der Nachkriegsliteratur und thematisiert das Verhalten und die Verantwortung des Einzelnen in einem autoritären Regime, inspiriert von realen Vorbildern. In Jette Steckels eindrücklicher und kluger Inszenierung findet die gesamte Handlung im Theater statt. Damit rückt sie auch die Rolle von Künstler*innen innerhalb des Theaterbetriebs den Fokus und schafft ein Fest der Schauspielkunst: Das Ensemble ist in Höchstform, allen voran Thomas Schmauser mit seinem vielschichten und einprägsamen Spiel, das die inneren Konflikte der Hauptfigur sichtbar werden lässt und ein Ereignis ist. Jurybegründung: „Jette Steckel und ihrem Team ist ein Abend gelungen, der den Mephisto-Roman Klaus Manns mit wenigen Sätzen Fremdtext zu einer beklemmenden, aktuellen Studie über das Verhältnis von Kunst und Macht formt. Virtuos zeigt Thomas Schmauser die Wandlung seines Hendrik Höfgen vom Vorkämpfer eines ,Revolutionären Theaters‘ zum opportunistischen Nazi-Günstling als von einer Mischung aus künstlerischer Eitelkeit und einigen Rest-Gedanken über Widerstand motiviert. Er tastet diese Figur sorgfältig von innen ab, zeigt sie als brüchig, hadernd und/oder hadern spielend. Dass Steckel selbst die Szenen dieses Abends, die im privaten Raum stattfinden, als Theater im Theater anlegt, ist deshalb nur konsequent. Es geht auch um einen Menschen-Typus, dem die Kunst die ganze Welt bedeutet und der sich der Illusion hingibt, dass das Theater ein Fluchtort ist, der letztlich unantastbar bleibt. Pustekuchen! Schaut man dem tollen Ensemble bei der Arbeit zu, sieht man auch Menschen, die die Neue Rechte nur zu gerne wieder von der Bühne verjagen würde. Dieser Abgleich zwischen der historischen Vergangenheit und der möglichen Zukunft tut richtig weh.“ (Sabine Leucht für die Theatertreffen-Jury) Jette Steckel – Regie Florian Lösche – Bühne Pauline Hüners – Kostüme Mark Badur, Elias Krischke – Musik Maximilian Kraußmüller – Lichtdesign Emilia Heinrich, Jette Steckel, Johanna Höhmann – Fassung Johanna Höhmann, Theresa Schlesinger, Carl Hegemann – Dramaturgie Premiere: 28.2.2025 3 h 40 min, eine Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln muenchner-kammerspiele.de Publikumsgespräch am Sonntag, 3.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung in voller Länge im TV sehen am Samstag, 9.5.2026 um 20:15 Uhr auf 3sat 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung ist in voller Länge online verfügbar in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek ab Freitag, 1.5.2026 für ein Jahr
Aufführungen | Schauspiel

Die Glasmenagerie

Theatertreffen

Theater Basel Das intime Porträt einer zerrütteten Familie, die am American Dream zerschellt, zeichnen Jaz Woodcock-Stewart und ihr Team in Die Glasmenagerie mit atmosphärischer Dichte und hintergründigem Humor. Es könnte ein entscheidender Abend werden für Laura Wingfield, die mit ihrer Mutter Amanda und ihrem Bruder Tom in einer bescheidenen Wohnung in St. Louis lebt. Denn Jim kommt zu Besuch und mit ihm vielleicht ein Ausweg aus dem tristen Leben, dem sich Laura durch das liebevolle Pflegen ihrer Glasfigurensammlung zu entziehen versucht. Am Ende zerbrechen jedoch nicht nur ihre Träume. In ihrer klaren und sensiblen Inszenierung der Glasmenagerie konzentriert sich Jaz Woodcock-Stewart besonders auf die Rolle von Frauen und die Mechanismen von Selbstaufopferung und Selbstoptimierung innerhalb des fragilen Familiengefüges. Wie wirkt sich der finanzielle und gesellschaftliche Druck auf die alleinerziehende Mutter und die weiteren Familienmitglieder aus? Woodcock-Stewart und ihr Ensemble laden zu einem empathischen Blick auf die Figuren und schauen zugleich hinter die Fassade. Jurybegründung: „Das Faible für narrative Ästhetik gilt als UK-typisch. Jaz Woodcock-Stewart ist eine jener jungen britischen Regisseurinnen, die gekonnt erzählen, ohne schlicht nachzuerzählen. Sie gibt Tennessee Williams’ Glasmenagerie am Theater Basel einen sehr gegenwärtigen Drive, ohne den Text – der in den späten 1930-Jahren spielt – zu zerbrechen. (Aktuelle) Powerplates, Vibrationsplatten aus dem Gym, fördern hier gerade nicht den Muskelaufbau, sondern sind im Gegenteil ironisch gewendete, kongeniale Zeichen für die Erschütterung aller Halt gebenden Strukturen. Zwischen den nackten Betonwänden verlieren sich die drei Hauptfiguren. Eine Treppe führt ins Nichts, eine Rampe in ein reduziertes Leben ohne Geld und ohne Kontakt zur Außenwelt. Die queere Tochter flieht in eine Art Hikikomori-Dasein. Kurz wird für einen Besucher der Familie eine (Haus-)Fassade über das ausgehöhlte Leben des unglücklichen Trios gekippt; das wird nichts nützen. Eine leise, zeichenstarke, berührende Arbeit!“ (Alexandra Kedves für die Theatertreffen-Jury) Jaz Woodcock-Stewart – Inszenierung Rosie Elnile – Bühne und Kostüme Josh Grigg – Sounddesign Alex Fernandes – Lichtdesign Inga Schonlau – Dramaturgie Premiere: 30.1.2025 3 h, eine Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln Empfohlen ab 14 Jahren theater-basel.ch Publikumsgespräch am Dienstag, 5.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Serotonin

Theatertreffen

Hans Otto Theater, Potsdam Aus dem Französischen von Stephan Kleiner Theaterfassung von Sebastian Hartmann Kompromisslos und minimalistisch inszeniert von Sebastian Hartmann, porträtiert Guido Lambrecht in Serotonin mit messerscharfer Präzision einen Menschen, der an zentrale Punkte seines Lebens zurückkehrt und seine persönliche Krise mit der der westlichen Gesellschaft verwebt. Florent-Claude Labrouste hat sein Leben in eine Sackgasse bugsiert. Geprägt von gescheiterten Beziehungen, gedemütigt durch von Antidepressiva ausgelöste Impotenz, seines Lebens überdrüssig und voller Verachtung für sich selbst und die Welt um ihn herum, bricht er alle Zelte ab. Schonungslos zieht er Bilanz – unter anderem anhand der Frauen in seinem Leben. Michel Houellebecqs Roman Serotonin stellt eine zutiefst frustrierte, traurige und klagende Figur in den Mittelpunkt. Sebastian Hartmann wählt einen entschlossenen und radikalen Zugang zu diesem Stoff: Nichts lenkt ab von der großen Erzählkunst Guido Lambrechts, der in einem beeindruckenden Solo mit seinem nuancierten, präzisen und zurückgenommenen Spiel einem Mann in Auflösung Stimme und Körper verleiht. Irgendwo zwischen Installation, Performance und Theatervorstellung angesiedelt, ist Serotonin ein faszinierend herausforderndes Roadmovie des Stillstands und eine Einladung, sich dem Bühnengeschehen auszuliefern. Jurybegründung: „Eine derart reduzierte und puristische Inszenierung hat Sebastian Hartmann noch nie gezeigt. Seine Bühnenadaption von Michel Houellebecqs Roman Serotonin ist ein Meisterwerk des theatralen Minimalismus: Mehr als einen weißen Kasten, in dem nur eine weiße Holzbank steht, einen einzelnen Scheinwerfer und natürlich Guido Lambrecht braucht es nicht. Gut fünf Stunden verweilt Lambrecht in diesem Raum, dessen Weiß alles auszulöschen scheint, und breitet das verpfuschte Leben von Houellebecqs Ich-Erzähler Florent-Claude Labrouste aus. In diese schonungslose Beichte eines gescheiterten Mannes bricht immer wieder eine zweite, deutsch-deutsche Lebensgeschichte ein, die Labroustes toxische Sicht auf die Welt erweitert und kommentiert. Lambrechts zurückgenommenes wie präzises Spiel ist dabei eine kleine Theatersensation. Es erlaubt einem, tief in die Abgründe eines Mannes zu blicken und so zum Kern des momentan virulenten antimodernen Denkens vorzudringen.“ (Sascha Westphal für die Theatertreffen-Jury) Sebastian Hartmann – Regie und Bühne Lothar Baumgarte – Licht Adriana Braga Peretzki – Kostüm Christopher Hanf – Dramaturgie Premiere: 13.12.2025 circa 5 h 15 min, das Publikum ist eingeladen, nach eigenem Ermessen den Saal zu verlassen und zurückzukehren. In deutscher Sprache Empfohlen ab 18 Jahren hansottotheater.de Publikumsgespräch am Sonntag, 10.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung
Aufführungen | Schauspiel

Fräulein Else

Theatertreffen

Volkstheater, Wien Mit Fräulein Else entwirft Leonie Böhm für und mit Julia Riedler ein präzise gearbeitetes, mitreißendes Solo, das die Novelle über Machtmissbrauch und die Verwertbarkeit weiblicher Körper in die unmittelbare Gegenwart bringt. Else verbringt den Sommer in einem noblen Kurort, als sie ein Expressbrief erreicht: Der Vater sei hoch verschuldet, sie solle den deutlich älteren Kunsthändler Dorsday um Geld anpumpen, um den Ruf der Familie zu bewahren. Doch Dorsday stellt eine Bedingung: Die benötigte Summe bekommt Else nur, wenn sie sich ihm für eine Viertelstunde nackt zur Schau stellt. Leonie Böhm sucht in ihren Arbeiten immer wieder neue Lesarten kanonischer Texte, die Begegnung im Hier und Jetzt ist ein Grundprinzip ihrer Theaterpraxis. In ihrem packenden Zugriff auf Arthur Schnitzlers berühmte Novelle Fräulein Else aus dem Jahr 1924 kehrt sie zusammen mit Julia Riedler Elses inneren Monolog nach außen und lädt das Publikum dazu ein, live über ein schambesetztes Dilemma nachzudenken, es mitzuverhandeln und sich mitverantwortlich zu fühlen. Mit Witz, Spontanität, Sprachgewalt und Facettenreichtum spielt Riedler ein umwerfendes Solo, das Doppelmoral offenlegt und patriarchalen Machtstrukturen den Kampf ansagt. Jurybegründung: „In Leonie Böhms und Julia Riedlers Schnitzler-Adaption ist fast jede Zeile aus 1924. Dass dieser Text dennoch treffsicher in der Gegenwart landet, ist der herausragenden Leistung von Julia Riedler als Else zu verdanken. Aus dem Bewusstseinsstrom der Achtzehnjährigen, die von einem Bekannten erpresst wird, sich vor ihm auszuziehen, um Geld für den verschuldeten Vater zu erhalten, entwickelt sie einen aufregenden Dialog mit dem Publikum. Riedler nimmt ihre Zuschauer*innen damit konsequent in die Verantwortung und macht sie zu Kompliz*innen in Elses auswegloser Situation. Mit unglaublicher Schlagfertigkeit und augenzwinkernder Lässigkeit hat sie den Saal in der Hand – und wickelt ihr Publikum auch gern mal um den Finger. Ihre Else ist hellwach, furchtlos und unberechenbar. Und so erträumt der Abend aus der Schnitzler-Anlage schrittweise eine Utopie für unsere Zeit, in der Machtmissbrauch immer noch allgegenwärtig ist. Ein radikal heutiges Solo und eine Übung in Empathie gleich mit.“ (Vincent Koch für die Theatertreffen-Jury) Leonie Böhm, Julia Riedler – Konzept Leonie Böhm – Regie Belle Santos – Bühne und Kostüm Ines Wessely – Lichtdesign Matthias Seier – Dramaturgie Helena Eckert – Co-Dramaturgie Vorproben Premiere: 8.2.2025 1 h 30 min, ohne Pause In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln volkstheater.at Publikumsgespräch am Donnerstag, 7.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung in voller Länge im TV sehen am Samstag, 2.5.2026 um 20:15 Uhr auf 3sat 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung ist in voller Länge online verfügbar in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek ab Freitag, 1.5.2026 für ein Jahr
Aufführungen | Schauspiel

Wallenstein

Theatertreffen

Münchner Kammerspiele Mitten hinein in die Feldküche geht es mit Jan-Christoph Gockels spektakulärer Wallenstein-Interpretation, in der Kriegsunternehmertum, strategische Selbstdarstellung, Ambitionen, Macht und Loyalität mit einer überwältigenden Vielfalt theatraler Einfälle angerichtet und scharf abgeschmeckt werden. Im Dreißigjährigen Krieg führt Wallenstein als Oberbefehlshaber zahlreiche Söldnerheere an. Er bezahlt sie mit Plünderungen der eroberten Gebiete und macht selbst noch Profit, gemäß dem Motto „Der Krieg ernährt den Krieg“. Als Wallenstein nach politischer Macht greift, lässt der Kaiser ihn ermorden. Im Jahr 2023 bricht Yevgeny Prigozhin, „Putins Koch“ und Kopf der Söldnergruppe Wagner, mit seiner Truppe zu einem Marsch nach Moskau auf. Der Aufstand scheitert, ein Flugzeug mit Prigozhin an Bord stürzt kurz darauf ab. Jan-Christoph Gockel verknüpft mit einer überbordenden Fülle an kreativen Ideen, Anspielungen und Stilen Friedrich Schillers monumentale Wallenstein-Trilogie mit einer zweijährigen Recherche des Produktionsteams über Ex-Söldner in der Gegenwart. Im Zentrum der einfallsreichen Inszenierung stehen die Menschen in Wallensteins Lager: Soldaten, Händler*innen, Kinder und Bauern aus dem Tross – mit ihren heutigen Entsprechungen. Wie sich annähern an den Krieg als Lebensform? Gockel und sein Ensemble entwerfen mit einem Festmahl auf der Bühne, Party, Live-Video, Marionetten, Schauspiel und Lecture Performance ein Spektakel für alle Sinne. Jurybegründung: „Eine Doppelbelichtung der Mechanik des Krieges und eine überbordende Feier des Theaters: Das und noch viel mehr gelingt diesem Wallenstein. Sieben Stunden nehmen sich Jan-Christoph Gockel und sein Team von Individualist*innen dafür Zeit. Dass sie einem nicht lang werden, liegt an der Vielzahl der Perspektiven auf den Stoff, die sich manchmal reiben, aber immer wunderbar miteinander räsonieren. Es geht um Söldnerheere gestern und heute, um militärische Strippenzieher, die selbst an fragilen Strippen hängen, um Loyalität und die Schwierigkeit, Kriege wieder zu beenden. Zentral für die Bildwelten und den Humor des Abends sind Schillers berühmter Satz ,Der Krieg ernährt den Krieg‘, die Figur des russischen Söldnerführers Jewgeni Prigoschin und der Harry Potter-Zauberspruch ,Riddikulus‘, der beängstigende Dinge in etwas Komisches verwandelt und die lähmende Angst vertreibt. In diesem immersiven, zwischen Investigativ- und Literatur-Theater, Performance, Schau- und Puppenspiel, feiner Ironie, Satire und Ernst aufgespannten Meisterstück bleibt dagegen alles in Bewegung. Sogar die Hoffnung auf den Menschen im Krieger.“ (Sabine Leucht für die Theatertreffen-Jury) Jan-Christoph Gockel – Regie Julia Kurzweg – Bühne Janina Brinkmann – Kostüme Maria Moling – Musik / Komposition (Live-Musik) Lion Bischof – Videodesign Christian Schweig, Stephan Mariani – Lichtdesign Michael Pietsch – Puppenbau Annette Paulmann – Piccolomini-Menü Viola Hasselberg, Claus Philipp – Dramaturgie Sergei Okunev – Dramaturgische Mitarbeit und Recherche Cico Beck – Musik Mitarbeit Yvonne Griesel (SPRACHSPIEL) – Übertitel Premiere: 4.10.2025 muenchner-kammerspiele.de 7 h, drei Pausen In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln 3sat-Preis an Katharina Bach am Samstag, 9.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung Publikumsgespräch am Sonntag, 10.5.2026 im Anschluss an die Vorstellung 3sat „Starke Stücke“: Die Inszenierung am 10.5.2026 wird ab 17:00 Uhr als zeitversetzter Livestream übertragen in der 3satMediathek und in der BerlinerFestspiele Mediathek
Aufführungen | Oper

Dialogues des Carmélites

Oper Stuttgart

Oper in drei Akten und zwölf Bildern Libretto vom Komponisten nach dem gleichnamigen Drama von Georges Bernanos, basierend auf der Novelle Die Letzte am Schafott von Gertrud von Le Fort „Kein Mensch stirbt für sich allein. Einer stirbt für die anderen. Vielleicht sterben manche anstelle von anderen. Wer weiß?“ (Sœur Constance in Dialogues des Carmélites) Kaum eine Oper stellt die Auseinandersetzung mit der eigenen Sterblichkeit so ins Zentrum wie Francis Poulencs 1957 uraufgeführte Oper über einen Karmelitinnenorden in den Wirren der Französischen Revolution. Die Geschichte entspinnt sich um die junge Blanche, die – seit ihrer Geburt von schweren Angstzuständen geplagt – Schutz in einem Kloster findet. Doch die Zeit der Geborgenheit endet jäh, als der Revolutionsausschuss das Kloster zerschlägt und der Gemeinschaft die Ausübung ihrer Riten verbietet. Die Schwestern schwören sich aufs Martyrium ein, einzig Blanche treibt die Todesangst in die Flucht. Schließlich gelingt es ihr, sich selbst zu überwinden: Als sie ihren Schwestern zum Schafott folgt, erlischt im Angesicht des Todes die Angst. Die für ihre feministischen Lesarten bekannte Regisseurin Ewelina Marciniak rückt in ihrer Inszenierung dieses Hybrids aus Thriller, Diskursoper und heiliger Messe die Dynamiken einer Frauengemeinschaft in den Fokus, die inmitten des Terrors um Kommunikation und Mitmenschlichkeit ringt. Und auch wenn das übersinnliche „Salve Regina“ der Karmelitinnen am Schafott keinen Zweifel daran lässt, dass diese Oper ein glühendes Glaubensbekenntnis des Katholiken Poulenc ist, stellt uns die Opferbereitschaft der Nonnen vor Fragen: Wo verlaufen die Grenzen zwischen Solidarität, Glauben und Fundamentalismus? Wie einsam stirbt es sich hingegen in unserer säkularisierten Welt der Gegenwart? Unter der Musikalischen Leitung von Cornelius Meister wird Poulencs wirkmächtige Musik zum Ereignis. Musikalische Leitung: Cornelius Meister Regie: Ewelina Marciniak Bühne: Mirek Kaczmarek Kostüme: Julia Kornacka Choreografie: Ana Szopa Licht: Aleksandr Prowaliński Chor: Manuel Pujol Dramaturgie: Carolin Müller-Dohle in französischer Sprache mit Übertiteln in deutscher und englischer Sprache Altersempfehlung: ab Klasse 10 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn findet eine Einführung im Foyer I. Rang statt.
Aufführungen | Ballett

Schwanensee. Rotbarts Geschichte

Staatsoper Hannover

„Mich fasziniert die Vorgeschichte zu Schwanensee. Sie ist das Herzstück meines neuen Balletts.“ Goyo Montero Er hat "Cinderella" und "Der Nussknacker" choreografiert, sich mit Weltliteratur wie "Faust", "Don Juan", "Romeo und Julia" oder "Der Steppenwolf" auseinandergesetzt - Goyo Montero zählt zu jenen Choreografen unserer Zeit, denen es gelingt, große Geschichten durch den Tanz neu zu erzählen. Dafür wurde er bereits mit zahlreichen renommierten Preisen ausgezeichnet. Mit dem Staatsballett Hannover widmet er sich nun der ersten bedeutenden Ballettpartitur Piotr Iljitsch Tschaikowskis und damit einem Klassiker, der seit Marius Petipas und Lew Iwanows St. Petersburger Inszenierung von 1895 als das „Ballett der Ballette“ gilt: "Schwanensee". Das Märchen von der Schwanenkönigin Odette, die nur durch ewige Liebe vom Zauber Rotbarts erlöst werden kann, reizt bis heute mit seinen magischen Bildwelten und seelischen Untiefen zu immer neuen Auseinandersetzungen. So auch Goyo Montero, der in seiner ersten Uraufführung für das Staatsballett Hannover seine Bewunderung des klassischen Balletts mit seiner eigenen Entwicklung als zeitgenössischer Choreograf verbindet und uns die bekannte Geschichte aus einer anderen Perspektive zeigt. "Schwanensee. Rotbarts Geschichte" lenkt den Blick auf eine Figur, die das gesamte Geschehen im Griff hat, die wir aber kaum kennen. Atemberaubende Tanzbilder erzählen von einem vom Weg abgekommenen Königssohn, von schmerzenden Traumata, geheimen Sehnsüchten und dem Wissen, dass Menschen immer wieder die gleichen Fehler begehen. Goyo Monteros "Schwanensee" ist die faszinierend abgründige Geschichte eines gefährlichen Außenseiters: die Geschichte Rotbarts. Musikalische Leitung: Piotr Jaworski Choreografie: Goyo Montero Bühne: Leticia Gañán Calvo / Curt Allen Wilmer Kostüme: Salvador Mateu Andujar Licht: Andreas Schmidt Video: Alvaro Luna Dramaturgie: Anne do Paço Xchange: Bettina Stieler ca. 1 Stunde 55 Minuten, eine Pause Einführung: 45 Minuten vor Beginn
Aufführungen | Oper

Der Troubadour

Staatsoper Hannover

Premiere: 13.6.2026 Libretto von Salvadore Cammarano und Leone Emanuele Bardare nach Antonio García Gutiérrez „Er war dein Bruder ... Du bist gerächt, Mutter!“ Azucena Als sich Graf Luna und der Troubadour Manrico nicht nur in einem blutigen Bürgerkrieg als Feinde gegenüberstehen, sondern auch noch in die gleiche Frau verlieben, nimmt eine fatale Tragödie ihren Lauf: Leonora vergiftet sich, Manrico wird von Luna hingerichtet, der daraufhin erfährt, dass er seinen eigenen, verschollen geglaubten Bruder getötet hat. Manrico war nämlich unerkannt bei Azucena aufgewachsen, die einst mit ansehen musste, wie der alte Graf Luna ihre Mutter auf dem Scheiterhaufen verbrannte. Zutiefst traumatisiert schwor Azucena Rache, entführte den jüngeren Grafensohn, tötete an seiner Stelle aber versehentlich ihr eigenes Kind. Mit seinem Drama El Trovador schrieb Antonio García Gutiérrez 1836 das erfolgreichste und populärste Bühnenwerk der spanischen Romantik. Giuseppe Verdi ließ sich von der düsteren Romanze um Hass und Liebe, Eifersucht und Rache so sehr begeistern, dass er sie ohne Auftrag und damit der Garantie für eine Uraufführung 1849 / 50 zur Grundlage seiner Oper Il Trovatore machte. In ihr fand er das uralte Motiv des Bruderzwistes mit den ihn immer wieder faszinierenden Fragen nach Schicksal, Zufall und innerer Notwendigkeit verschränkt. Aus der bizarren Geschichte verstand er seine Figuren auf äußerst avancierte Weise geradezu herauszumeißeln. An ihren Widersprüchen, ihrem Gefangensein und ihren Sehnsüchten entzündete er seine musikalische Fantasie. In der Neuinszenierung von Wolfgang Nägele kommt mit Il Trovatore ein existenzielles Drama von unvergleichlicher Wucht auf die Bühne der Staatsoper Hannover — eine Geschichte über die Macht von Traumata und emotionalen Wahnsinn. Musikalische Leitung: Masaru Kumakura Inszenierung: Wolfgang Nägele Bühne: Lisa Däßler Kostüme: Irina Spreckelmeyer Licht: Holger Klede Chor: Lorenzo Da Rio Dramaturgie: Anne do Paço Xchange: Matthias Brandt Italienisch mit deutschen und englischen Übertiteln Einführung: 45 Minuten vor Beginn
Aufführungen | Aufführung

An den Rändern wird es hell

Staatsoper Hannover

Eine Collage des Club XL rund um Turandot Lässt dich deine Vergangenheit los? Hinterfragst du deine Liebe? Warum bist du so, wie du bist? Der Club XL vereint in dieser Spielzeit Akteur:innen zwischen 17 und 65 Jahren. Gemeinsam haben sie sich mit Puccinis Turandot auseinandergesetzt und dazu ein eigenes künstlerisches Statement entwickelt. Musikalisch erzählen sie vom schmalen Grat zwischen Scheitern und Hoffnung – und navigieren dabei zwischen Herz und Kopf. Musikalische Leitung: Siiri Niittymaa Szenische Leitung: Matthias Brandt Assistenz: Joanna Friedrich Mit 12 Akteur:innen aus Hannover und der Region Treffpunkt: Opernhaus Seiteneingang rechts
Aufführungen | Oper

Der Barbier von Sevilla

Staatsoper Hannover

Komische Oper von Gioachino Rossini Libretto von Cesare Sterbini nach Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais „Sie haben Riesenglück: Ihnen ist der Käse genau auf die Makkaroni gefallen!“ Figaro Figaro ist nicht nur der Barbier, sondern auch Lebensberater, Verkuppler und Informationszentrale von Sevilla. So stellt er sich uns jedenfalls vor, doch was wir in Rossinis Oper erleben, lässt an der Selbstcharakterisierung zweifeln: Seine Strategien, wie der verliebte Graf Almaviva mit der von ihrem Vormund eifersüchtig bewachten Rosina in Kontakt treten kann, scheitern schon im Ansatz — und wenn Figaro sich selbst einschaltet, wird die Sache nur schlimmer. Gute Voraussetzung für eine turbulente Komödie, die Regisseurin Nicola Hümpel durch zwei Live-Kameras potenziert: Die Inszenierung zeigt uns eine Gruppe von Egoisten, die sich gegenseitig zu manipulieren versuchen. In dem Ansinnen, sich selbst stets im besten Licht dastehen zu lassen, konkurrieren sie um die günstigsten Plätze vor den Kameras, die gnadenlos jedes entgleiste Minenspiel und jede versteckte Verkrampfung vergrößern. Was die Regie mit dem optischen Fokus macht, macht Gioachino Rossinis Musik mit der Zeit: Sie fokussiert mal auf den Moment eines Wimpernschlags und mal auf eine lange Zeitspanne. Aus einer seelischen Krise wird ein handliches Kurzgewitter, aus einer Schrecksekunde eine ausgedehnte Katastrophe. Diese Musik nicht zu mögen: riskant! Das wusste schon Heinrich Heine, der prophezeite: „Die Verächter italienischer Musik, die auch dieser Gattung den Stab brechen, werden einst in der Hölle ihrer wohlverdienten Strafe nicht entgehen und sind vielleicht verdammt, die lange Ewigkeit hindurch nichts anderes zu hören als Fugen von Johann Sebastian Bach.“ Italienisch mit deutschen und englischen Übertiteln ca. 3 Stunden, eine Pause Einführung: 45 Minuten vor Beginn
Aufführungen | Oper

Die tote Stadt

Staatsoper Hannover

Premiere: 9.5.2026 Libretto von Paul Schott nach Georges Rodenbach „Wie weit soll unsre Trauer gehn, wie weit darf sie es, ohn’ uns zu entwurzeln?“ Paul Nach dem Tod seiner Frau Marie lebt Paul zurückgezogen und isoliert in seiner Wohnung. Nur zu seinem Freund Frank und zu Brigitta, die ihm den Haushalt organisiert, hat er noch Kontakt. Doch als Paul auf der Straße die Tänzerin Marietta kennenlernt, die Marie verblüffend ähnlich sieht, nimmt sein von Trauer geprägtes Leben eine Wendung: Während Paul versucht, Marietta mehr und mehr an seine verstorbene Frau anzugleichen, wird der innere Konflikt zwischen Realität und Wunschbild immer raumeinnehmender. Marietta spielt das Spiel zunächst mit, lässt sich aber in ihrer Eigenständigkeit und Freiheit nicht beschränken. Mit Die tote Stadt schuf Erich Wolfgang Korngold 1920 mit gerade einmal 23 Jahren ein kluges Spiel der Trauerbewältigung aus Traum und Wirklichkeit. Während sich die erzählerischen Ebenen untrennbar vermischen, entwickelte Korngold dazu eine fein ausgeklügelte Partitur, die „Traumarbeit“ zum musikalischen Prinzip erklärt. Seine überwältigende, farbenreiche Instrumentation macht die Geschichte um Paul und Marietta zum sinfonischen Trip einer folgenreichen Begegnung. Die Regisseurin Ilaria Lanzino richtet mit Die tote Stadt den Blick auf ein Reich jenseits der Schwelle – ein post-mortem Abstieg in die Welt einer Frau, die sich das Leben nahm. Nach dem plötzlichen Verlust bleiben bei den Zurückgebliebenen Fragen, die sie nicht loslassen. Im Zentrum steht Paul, dessen Suche ihn in die Tiefen einer ungreifbaren Wahrheit führt: Wer war die Frau an seiner Seite – und was blieb ihm zu Lebzeiten an ihr verborgen? Zwischen Erinnerung und Halluzination, Sehnsucht und Trugbild entfaltet sich ein vielschichtiges Kammerspiel über Verlust, rätselhafte Nähe und die Unmöglichkeit, den anderen je vollständig zu kennen. Musikalische Leitung: Mario Hartmuth Inszenierung: Ilaria Lanzino Bühne: Martin Hickmann Kostüme: Vanessa Rust Licht: Johannes Paul Volk Video: Max Schweder Chor: Lorenzo Da Rio Kinderchor: Tatiana Bergh Dramaturgie: Christian Förnzler Xchange: Siiri Niittymaa Chor der Staatsoper Hannover Kinderchor der Staatsoper Hannover Niedersächsisches Staatsorchester Hannover Deutsch mit deutschen und englischen Übertiteln Einführung: 45 Minuten vor Beginn
Aufführungen | Ballett

Verwandlungen

Staatsoper Hannover

Premiere: 18.4.2026 I'm afraid to forget your smile Choreografie, Bühne und Kostüme: Imre van Opstal / Marne van Opstal Bühne und Licht: Tom Visser Choreografische Einstudierung: Chloé Albaret / Benjamin Everett / Kenedy Kallas Mit: Antoine Charbonneau / Kade Cummings, Camryn Pearson / Jay Ariës, Jeremy Villas / Luca Branca, Martin Balabán / Makani Yerg, Alisa Uzunova / Oriana Mestre Oliveira, Emily Seymour / Sofia Fagioli Schmetterling Choreografie, Bühne und Kostüme: Sol León / Paul Lightfoot Licht: Tom Bevoort Projizierte Fotografien: Rahi Rezvani Choreografische Einstudierung: Chloé Albaret / Jorge Nozal / Lauretta Summerscales / Roger Van der Poel Mit: Natalie Wong / Diana van Godtsenhoven, Carl van Godtsenhoven / John Hackett, Kade Cummings / Jay Ariës, Martin Balabán / Camryn Pearson, Edward Nunes / Lorenzo Alberti, Luca Branca, Daniel Róces / Sofia Fagioli, Alisa Uzunova, Stella Tozzi / Tania Angelovski, Emily Seymour / Oriana Mestre Oliveira, Makani Yerg / Antoine Charbonneau „Es sind deine Flügel, die dich schön machen.“ The Magnetic Fields Die Flüchtigkeit des Lebens und die Schönheit des Augenblicks — welche Kunstform vermag diese besser zu erforschen als der Tanz? Für die Premiere Verwandlungen hat Ballettdirektor Goyo Montero zwei Generationen von Künstlerduos eingeladen, die mit ihrer einzigartigen Bewegungssprache fragen: Was sind unsere Vorstellungen von Leben und Tod? Wohin gehen wir? Welche Veränderungen streben wir an? Sol León und Paul Lightfoot prägten über Jahrzehnte als Tänzerin und Tänzer, Choreografen und künstlerische Leiter das Nederlands Dans Theater Den Haag. Seit 1989 bilden sie als gleichberechtigt arbeitendes Duo ein kreatives Epizentrum. Tänzerkarriere machten auch die Geschwister Imre und Marne van Opstal beim NDT. Heute zählen sie mit ihren skulpturalen Choreografien zu den interessantesten Stimmen im zeitgenössischen Tanz. Mit I’m afraid to forget your smile kreierten sie 2022 zu Chorwerken von archaischer Schönheit und meditativer Kraft einen berührenden Kampf gegen die Vergänglichkeit. Schmetterling von Sol León und Paul Lightfoot erzählt in starken Bildern, aber auch mit feiner Poesie und subtilem Humor eine fragile Geschichte des Abschieds zwischen einer Mutter und ihrem Sohn. „Im Wort Schmetterling ist alles enthalten, was dieses Ballett ausmacht: die Flüchtigkeit einer Aufführung, das absurde Kabarett des Lebens und das schnelle Vergehen der Zeit“, so Paul Lightfoot über das 2010 zu Musik von Max Richter und Love Songs der Indie-Rock-Band The Magnetic Fields kreierte Tanzstück. ca. 1 Stunde 45 Minuten, eine Pause Einführung: 45 Minuten vor Beginn

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